5. Gesamt, wir können annehmen, dass das neoimpressionistische Bild harmonischer ist als das impressionistische, denn zuerst, Dank der ständigen Beibehaltung von Kontrasten werden Details besser aufeinander abgestimmt, Zweitens, Dank der durchdachten Komposition und des ästhetischen Ausdrucks der Farben werden die Harmonie des Ganzen und die spirituelle Harmonie erreicht, von denen der Impressionismus freiwillig aufgibt.
Ich bin weit davon entfernt, die Verdienste dieser beiden Malergenerationen miteinander vergleichen zu wollen: die impressionisten sind absolute meister, die ihre großartige Arbeit getan und sie anderen aufgezwungen haben; Die Neoimpressionisten befinden sich noch in der Suchphase und verstehen das sehr gut, wie viel ihnen noch bleibt.
Es geht nicht um Talent, sondern um Technik, und nicht aus Respektlosigkeit, was wir diesen Meistern verdanken, wir sagen: neo-impressionistische Technik besser als diese, von den Impressionisten verwendet, sorgt für volle Leuchtkraft, ^ Farbe und Harmonie; wir könnten dasselbe sagen, dass die Gemälde von Delacroix weniger leuchtend und farbenfroh sind als die impressionistischen Gemälde.
6. Neoimpressionismus, geprägt von der Suche nach totaler Reinheit und vollkommener Harmonie, es ist die logische Erweiterung des Impressionismus. Die Adepten der neuen Technik sammelten nur, sie organisierten und entwickelten die Suche nach ihren Vorgängern. Ist das Prinzip der Trennung?, wie sie es verstehen, es besteht nicht aus kombinierten und systematisierten Elementen des Impressionismus: scheinen (Claude Monet), Kontrast (die fast immer von Renoir verwendet wird), feine Fleckstruktur (Cézanne und Camille Pissarro)? Ist das Beispiel von Camille Pissarra, die er adoptiert hat 1886 r. Malweise der Neoimpressionisten und beehrte die aufstrebende Gruppe mit seinem berühmten Namen, zeigt keine Hemmungen, die es mit der vorherigen Generation von Coloristen verbinden? Es gab keine plötzliche Veränderung in seinen Werken, Die grauen Farben verschwanden langsam, das spiel der farben wurde genutzt und aus dem meister des impressionismus wurde durch einfache evolution neo- Impressionist. […]
7. Neo-Impressionismus ist eine direkte Folge des Impressionismus, es schuldet jedoch, wie wir gesehen haben, auch viel Delacroix. Es ist eine Verschmelzung und Weiterentwicklung der Lehren von Delacroix und Impressionisten, Rückkehr zur Tradition des ersteren mit allen Vorteilen des Beitrags des letzteren.
Dies wird durch die Entstehungsgeschichte der Werke von Georges Seurat und Paul Signac bestätigt.
Georges Seurat besuchte die Akademie der Schönen Künste, aber Intelligenz, starker Wille, methodischer und klarer Verstand, Sein unverwechselbarer Geschmack und sein malerisches Auge bewahrten ihn vor den schädlichen Auswirkungen der Schule. Indem man systematisch Museen besucht, Stöbern in Kunstbüchern und Stichen in Bibliotheken, im Studium klassischer Meister schöpfte er Kraft, um sich den Lehren seiner Professoren zu widersetzen. Während dieser Studien, sagte er, dass ähnliche Gesetze die Linie regeln, Chiaroscuro, Farbe, eine Komposition sowohl in Rubens, stark in Rafael, bei Michelangelo, wie bei Delacroix: die Gesetze des Rhythmus, Maße, Kontrast.
Östliche Tradition, Buchstaben Chevreula, Karl Weiß, Ilumberta der Superstadt, Ö. N. Straße, Helmholtz ergänzte sein Wissen. Er analysierte sorgfältig die Werke von Delacroix, er fand darin die Anwendung traditioneller Gesetze mit Leichtigkeit, beides farblich, wie Linien und klar gesehen, was noch zu tun ist, Fortschritte zu machen, wie vom romantischen Meister vorgesehen.
Das Ergebnis von Seurats Studien war seine weise und fruchtbare Kontrasttheorie, dem er fortan alle seine Werke unterordnete. Zunächst wandte er es auf Hell-Dunkel an: mit einfachen Mitteln - der Weißgrad des Papiers „Ingres” und das Schwarz des Conté”, klug abgestuft und kontrastiert -- Er fertigte ungefähr vierhundert Zeichnungen an, die schönsten Zeichnungen des Malers, was existiert. Du könntest sagen, dass es weiß und schwarz ist, dank der hervorragenden Fähigkeit, den Wert zu bedienen, es ist heller und bunter als viele Gemälde. Später, damit eine meisterhafte Beherrschung des Kontrasts der Töne erreicht, er verwendete den Farbton analog; von r. 1882 er wandte die gesetze des kontrastes auf farben an und malte mit separaten farbelementen - unter verwendung, zugeben müssen, gebrochene Farben - keineswegs unter dem Einfluss der Impressionisten, von deren Existenz er in dieser Zeit überhaupt nichts wusste.
Paul Signac dagegen, seit Beginn seines Studiums, aus 1885 r. er wurde von Monet beeinflusst, Tafel, Guillaumin ist Renoir. Er besuchte kein Atelier und malte von Natur aus, er griff das harmonische Spiel simultaner Kontraste auf (simultaner Kontrast). Später, mit Bewunderung die Werke der Meister des Impressionismus studieren, er dachte, dass sie ein wissenschaftliches System enthalten: es schien ihm, dass mehrfarbige Elemente, die, Vermischung im Auge des Betrachters, Sie schaffen Farbnuancen in ihren Gemälden, auf eine bestimmte Weise getrennt wurden und dass diese Rottöne, Gelb, Purpur, Blues, die grüns wurden nach streng festgelegten regeln angelegt; er dachte, dass das Phänomen des Kontrasts, die er in der Natur beobachtete, ohne die Gesetze zu kennen, die es regeln, wurde von den Impressionisten bewusst verwendet.
Mehrere Zeilen von LKunstmodern J. K. Huysmansa, die sich im Zusammenhang mit Monet und Pissarr auf Komplementärfarben beziehen, mit gelbem Licht und violettem Farbton, er machte eine vermutung, dass die Impressionisten Farbkenntnisse hatten. Er führte dieses Wissen auf die Pracht ihrer Werke zurück und betrachtete sich als einen ihrer eifrigen Schüler, Studium der einfachen Gesetze des Simultankontrasts in Chevreuls Buch.
Einmal die Theorie gelernt, bisher nur visuell erfasste Kontraste konnte er streng bestimmen, mehr oder weniger genau, abhängig von einer zufälligen Empfindung.
Jede Lokalfarbe war von einem Heiligenschein ihrer Komplementärfarbe umgeben, die sich durch Reiben der Pinselstriche allmählich in die an sie angrenzende Farbe veränderte, wodurch das Spiel diese beiden Elemente eng mischte. Diese Methode lieferte gute Ergebnisse, wenn die Lokalfarbe und die sie beeinflussende Nachbarfarbe nicht zu farblich entfernt oder ähnlich waren, wie blau und grün, gelb und rot usw.. Aber wenn die beiden Farben entgegengesetzt wären, wie rot und grün oder blau und orange, sie bildeten eine schmutzige und matte Farbmischung. Der Ekel vor diesen schmutzigen Farben führte dazu, dass Signac allmählich und zwangsläufig die Farbelemente in separate Patches trennte, das heißt zu ihrer optischen Mischung (optische Mischung), nur so kann man allmählich von einer gegensätzlichen Farbe zur anderen wechseln, ohne ihre Reinheit zu beeinträchtigen. Simultane Kontrastierung und visuelle Durchmischung erreicht er damit auf ganz andere Weise als Seurat.
Wr. 1884 auf der ersten unabhängigen Ausstellung, in einer Hütte in den Tuillerien, Seurat und Signac trafen sich, bisher einander unbekannt; Seurat ausgestellt Schwimmen, im Salon desselben Jahres abgelehnt. Dieses Bild wurde mit großen gemalt, flache Pinselstriche, gerieben (weggefegt) übereinander und von der gefalteten Palette kommend, ähnlich der Delacroix-Palette, mit reinen Farben (prismatisch) i z ziemi. Durch die Verwendung von Ugras und Erde wirkte das Gemälde stumpf und wirkt weniger brillant als die Gemälde der Impressionisten, gemalt mit einer Palette, die auf prismatische Farben beschränkt ist. Allerdings Beachtung der Kontrastgesetze, Systematische Verteilung einzelner Elemente - Licht, Schatten, lokale Farbe, Wechselwirkungen - ihre richtigen Proportionen und Ausgewogenheit sorgten für eine perfekte Harmonie dieser Leinwand.
Signac war mit vier Landschaften vertreten, nur mit prismatischen Farben bemalt; die farbe wurde mit kleinen strichen in kommaform auf die leinwand aufgetragen, wie es bei den impressionisten üblich war, aber ohne Farben auf der Palette zu mischen. Der Künstler gehorchte dem Gesetz des Kontrastes und der optischen Mischung einzelner Elemente, jedoch ohne diese Genauigkeit und Ausgewogenheit, die durch die strenge Seurat-Methode bereitgestellt wurde.
Nachdem Seurat sich gegenseitig seine Suche erklärt hatte, übernahm er bald eine vereinfachte Palette der Impressionisten, und Signac stützte sich auf das wertvolle Erbe von Seurat: systematisch ausgewogene Trennung von Farbelementen.
Und wie wir bereits von den Anfangsfragmenten dieses Kapitels wissen, beide, zusammen mit der begeisterten Camille und Lucien Pissarro, vertrat die Impressionisten in 1886 r. aufkommender Neoimpressionismus. […]
9. […] ist es möglich, ohne voreingenommen oder unwissend zu sein, werfen Künstlern mit dieser Technik vor, die Individualität zu zerstören, die die großartigen synthetischen Kompositionen von Georges Seurat veröffentlichten, anmutige oder kraftvolle Porträts von van Rysselberghea, dekorative Leinwände von van de Velde; Technik, die sich ausdrücken durften: Maximilien Luka - die Straße, Lud, Arbeit; Kreuz - der Bewegungsrhythmus als Teil einer harmonischen Dekoration; Charles Angrand - Landleben; Petitjean - die subtile Nacktheit der Nymphen; Technik, die sich an so unterschiedliche Temperamente anpassen und so unterschiedliche Werke hervorbringen konnten?
Die Disziplin der Trennung war für sie nicht lästiger als für den Dichter, den Rhythmus zu halten. Weit davon entfernt, ihrer Inspiration Einhalt zu gebieten, dazu beigetragen, ihren Werken einen rohen und poetischen Ausdruck zu verleihen, ohne die Verwendung von visuellen Illusionen und Anekdoten.
Auch Delacroix war vorsichtig, dass die Disziplin einer strengen und überlegten Methode den Stil eines Kunstwerks nur erheben kann:
„Ich sehe Prosaschriftsteller und Dichter unter Malern; Energie, Rhythmus, besondere Wortstellung, notwendig in dem Gedicht und gibt ihm so große Kraft, sie sind analog zu verborgener Symmetrie, zu einem erlernten und gleichzeitig spontanen Gleichgewicht, Definieren des Zusammenflusses und der Divergenz von Linien, Fleckenverteilung, Farbwiederholung”.